Reseña de ‘Sheep In The Box’: la IA cambia la naturaleza del dolor en el disperso y almibarado drama del futuro cercano de Hirokazu Koreeda

Dir/scr: Hirokazu Koreeda. Japón. 2026. 126 minutos

“Es un Roomba”, dice escéptico el padre Kensuke (Daigo) cuando entra un nuevo electrodoméstico en su casa. Pero éste no aspira. Es un robot humanoide, formado a imagen del hijo que Kensuke y su esposa Otone (Haruka Ayase) perdieron dos años antes. Ha sido suministrado por una empresa llamada ReBirth, que ofrece sustitutos humanoides que caminan y hablan para personas en duelo. En la Competencia de Cannes por octava vez en 25 años, el autor japonés Hirokazu Koreeda resiste la atracción de la IA para presentar una reflexión reflexiva, conmovedora, a veces divertida y caprichosa sobre el futuro de la coexistencia de la humanidad con las máquinas inteligentes.

La predilección por los toques empalagosos socava la autoridad de las reflexiones filosóficas de la película.

ovejas en el Se podría decir que Box no es ciencia ficción en absoluto, ciertamente no en el molde distópico cargado de efectos especiales establecido por otras incursiones emocionales de androides como la de Spielberg. Inteligencia artificial IA. Pero sus credenciales fundamentadas en el mundo real se ven comprometidas por una veta de sentimentalismo no del todo ganada y por la incapacidad del guión para digerir completamente una extensión otsumami de temas breves. Sin embargo, no es difícil ver por qué Neon adquirió los derechos para EE. UU., Reino Unido y Australia a finales de 2025: aunque es dispersa en la narración, esta es una película de innegable corazón y encanto que debería tener un buen desempeño entre el público internacional de autor.

Koreeda ha ambientado la película en un Japón de un futuro muy cercano que se parece notablemente al actual, uno en el que la IA no ha progresado mucho más allá de su estado actual como facilitador de los deseos, ilusiones y debilidades humanas. Claro, los drones de reparto ahora están muy extendidos, los niños son acompañados a la escuela por robots de tráfico y los refrigeradores te dicen cuándo has bebido suficientes cervezas por un día, pero todo lo demás es reconocible en un aquí y ahora que se modifica suavemente por un recurso insistente a la luz solar brillante y aplastante en caras y superficies.

Otone es una arquitecta que todavía depende de herramientas analógicas como los modelos a escala que pacientemente hace para sus clientes, mientras que su marido, Kensuke, con los pies en la tierra, es un maestro carpintero, en sintonía con las propiedades de las diferentes maderas y la forma en que continúan viviendo incluso cuando el árbol se ha convertido en madera. También es un ser humano muy humano, que sorbe su comida y se arrastra con sandalias setta que se mueven perezosamente sobre el asfalto.

Elegir al comediante japonés Daigo como Kensuke junto a la esbelta y etérea Ayase (anteriormente utilizada por el director en 2015). Nuestro pequeño últimor) trabaja para establecer la dinámica de su extraña pareja y establecer la tensión dramática de la reaparición de su hijo de siete años en sus vidas dos años después del «accidente» no especificado que se lo llevó. Otone está febril de emoción, Kensuke desconfiado. Ella ve al niño que perdieron, él ve una máquina con un rastreador GPS que no come ni bebe, no debe mojarse y se pone automáticamente en modo de suspensión si se aleja más de 30 metros de sus «dueños».

Sabemos desde el principio que las reacciones iniciales de las parejas ante esta curiosa, inteligente y adorable réplica de su hijo perdido, interpretada conmovedoramente por la linda recién llegada Rimu Kuwaki, cambiarán y se complicarán. Es difícil mantener en secreto a un hijo renacido, y cuando la madre crítica y despreciable de Otone aparece inesperadamente, o cuando los colegas de trabajo de Kensuke intentan descubrir cómo deben comportarse con este androide espeluznante y vivaz, la dolorosa insostenibilidad de la película flota a la superficie.

Sin embargo, la película también representa el desorden que, según Otone, nos hace humanos (“Quiero luchar contra las dificultades, no quiero soluciones rápidas”, le dice en un momento a su ‘hijo’ robot). De vuelta a su habitual modo guionista-director tras confiarle el guión de su último largometraje, 2023’s Monstruopara Yuji Sakamoto, Koreeda intercala una historia sobre un grupo de niños-humanoides salvajes e independientes de ReBirth en lo que es esencialmente una historia sobre dos adultos que intentan enfrentar el hecho de que es hora de dejarse ir. Es un movimiento audaz, pero tiene más sentido temático que emocional.

Ovejas en la caja toma su título de una ilustración del clásico infantil de Antoine de Saint-Exupéry El principito que rinde homenaje al poder de la imaginación. Cajas como la casa modernista en la que viven Otone y Kensuke, o la que ella está diseñando para un par de clientes groseros pero entusiastas, se contrastan aquí con un enfoque más orgánico de la arquitectura; uno inspirado en los árboles y las redes de micorrizas que los conectan bajo tierra. Hay mucho en qué pensar aquí, pero la inclinación del guión por los toques empalagosos (uno ayudado e instigado por una banda sonora cadenciosa dirigida por cuerdas que se vuelve melaza con demasiada frecuencia) socava la autoridad de las reflexiones filosóficas de la película.